DEATH STRANDING: RUIDO.

 

¿Qué pasaría si en realidad Kojima no es tan bueno como lo creemos? ¿Qué tal si armamos en la comunidad gamer un mito alrededor de este, como autor, ya que no había más autores o nombres de este tipo de juego narrativo adulto a principios de los dos mil?

Creo que Death Stranding me ha hecho pensar eso. Creo que no le había visto a Kojima todos estos defectos acumulados desde el final de Phantom Pain.

Aunque hay algo extraño, porque siento que tanto en Phantom Pain como aquí, el sistema o el core del juego son excepcionales, tanto que al final olvido todo eso. 

Sin embargo, lo olvido porque las escenas, los videos dejan de ocurrir y la historia queda huérfana de elementos narrativos puestos por la dirección. Ya queda el postgame y el mundo solo, construido, completado, llenado, descubierto. Claro, porque ya no están los traumas y los conflictos de papá Kojima, que nos supervisaba cuando jugábamos en su patio. Ahora es nuestro juego. 

Lo que ocurre es que hay una brecha entre el juego y la narrativa o la evolución de la narrativa. Lo que en los Metal Gear al uso no ocurría. Por ende, a Kojima le pasó algo en los años posteriores a Guns of the Patriots, ya que se desmadra y lleva al límite la totalidad de sus ideas.

El punto de mi crítica es que siento que Phantom Pain tenía algo más de coherencia en su historia y en los detalles fantásticos inventados, pese a que fallaba en su final. En contraste, en Death Stranding todo lo que signifique lore, historia, narrativa y descripción del mundo dentro y fuera del gameplay falla desde el principio. En realidad, se equivoca con lo narrativo, pero también exagera en lo jugable, poniéndole elementos pesados que desbordan sus ideas iniciales.

Jugar Death Stranding es increíble; jugar en soledad con lo que han hecho en Kojima Productions y el diseño artístico. Entonces, presionas options y quieres ver el mapa y descubres que los menús son terribles. 

De ahí en adelante. Es una señal de lo que en realidad es todo el juego. Ruido y una falta total de coherencia.

En Death Stranding hay un exceso de información inservible, de iconos, de actividades, de envíos, de elementos en pantalla o en el mapa que van en total detrimento de la simpleza y creatividad del núcleo central jugable. Todo lo que distrae y aleja de ver el paisaje, de decidir caminar por ciertos espacios y de caminar llevando cosas en soledad es lo que demerita al juego. En realidad son las ideas del mismo Kojima. Es sobreexposición que no se entiende, ni de lo que nunca se termina de entender del todo. Es frustrante, es agotador y es incoherente.

Y puede que las escenas sean espectaculares en la puesta en escena, en la imagen, en el diseño y en la perspectiva, pero son confusas e inexplicables. Por ende, hay una frivolidad emocional y una necesidad de hasta saltar la escena o salir a internet a ver videos explicativos.

Ahora quiero jugar a ser Kojima, voy a jugar a ser el director del juego.

Lo que tenía que hacer aquí es en realidad un juego postapocalíptico: ha ocurrido un escenario de tercer impacto al estilo de Neon Genesis Evangelion.

Explicas en la primera media hora todo tu universo, tu lore y el porqué de la destrucción; no te lo guardas hasta el final. Lo haces con una narrativa tradicional y un video.

Tu impacto, tu destrucción es una enfermedad, es un virus que les roba la energía a las personas y las vuelve explosivas. 

Tu protagonista tiene que llevar la cura a ciertos laboratorios que fueron preparados de antemano con información para inmunizar a los ciudadanos que viven en los búnkeres. Pero se agotan los recursos y los alimentos.

Así vas por todos Estados Unidos, y aprovechan tus habilidades y tu inmunidad al virus para llevar más carga, comida, elementos de aseo. Te vuelves indispensable, no para unir al mundo, sino para dar rutas seguras con las que pueden viajar las personas desesperadas de los búnkeres para conseguir más comida, ropa, libros, baterías, reactores nucleares, anteojos, medicina, etc. 

Los enemigos calaron dentro de la humanidad y generan comunidades humanas que son las que están a favor de que la tierra y los humanos se queden como están; te buscan, tienes que huir. Pero además, la mutación del virus ha creado enemigos poderosos y fantasiosos; ahí tienes a tus jefes finales. (Sin embargo, yo no metería estas luchas).

En el camino, preparas tus alimentos, mejoras tus armas, llevas envíos de elementos indispensables. Si tienes una misión de llevar una Biblia, discutes al llegar con alguien que te dice que no había sentido en traerla, hablas de fe, abordas temas complejos. 

Haces camping, duermes, cocinas, estiras, paras, le miras la tarea a Breath of the Wild. Hay amanecer y anochecer; te resguardas de la naturaleza, mejoras tu calzado y maletín. Bebes agua, recolectas bayas, consigues fuego de mejores tanques de gas portátiles, encuentras un cultivo de trigo, manzanas y azúcar; te hace falta mantequilla… un sistema de pesca, una mejora de tus palos para caminar, o de tu ropa, de tu sleeping, de tu antena con la que te comunicas. Una búsqueda de una cueva, una ruta para esquivar el viento. A las 20 horas de juego encuentras un exoesqueleto y a las 100 una moto con tráiler.

Aquí, mi idea es muy parecida al juego original. Ya que, como no lo explica, no siento una satisfacción y claridad de lo que intenta criticar, filosófica o socialmente hablando. Además, todas estas claridades que me acabo de inventar le darían todo un peso significativo al caminar y al trekking. 

Sin duda, la mejor versión de Death Stranding es cuando no tienes recursos, cuando usas exoesqueletos, cuando llevas mucha mercancía en las carretas flotantes, cuando nadie te detecta, cuando caminas por días hasta llegar a tu destino, cuando suena la música. Cuando es simulador de trekking, de caminata, de sobrevivencia. Cuando hay soledad. 

El juego caminado, observando, es el mejor juego que haya jugado en mi vida. La huida sin violencia, el humor en hacer pis, lo que es tan importante mientras se camina, la lluvia, los ríos, el peso, el balance. Has hecho un simulador sofisticado de caminata y vida en la naturaleza postapocalíptica.

Sin embargo, el juego entra en su mayor conflicto con el combate y cuando toca jugar para aportar a la historia inventada e inentendible de Kojima. Y sobre todo cuando haces las vías y tienes vehículos. Ahí la jugabilidad es otra cosa diferente a la premisa inicial. Es donde a Kojima se le sube la presión y decide hablar de brea, de la playa, de criptobiota, de ballenas, de bebés, de segregacionistas, de saltos temporales, de conexión, de arcoíris en el cielo, de explosiones nucleares, de quiraleo, de redes, de impresoras y wifi, y de vencer a tus enemigos con tus heces y con tu orina y de meter a Hermen Hulst o Geoff Keighley a la fuerza porque son fans de tu obra.

Kojima. 

En cuanto a la historia, no entiendo quién es quién, ni por qué están ahí, ni por qué no hay gente de carne y hueso hablándome, o estableciendo una verdadera conexión emocional, salvo las escenas grabadas con motion capture para ver con cringe la obsesión de Kojima por las mujeres bonitas y jóvenes. 

Pero tampoco entiendo por qué tiene que llamar a un sistema del juego como Q-pido o por qué Deadman tiene máscara, qué son las manchas en el cuerpo de Sam, por qué tienen formas de mano los cristales de Quiraleo. No entiendo nada de los textos ni de los subtextos. Al personaje de Margaret Qualley le tengo miedo y pereza. Cada vez que habla, siento un escalofrío. Porque te suelta una chapa, parla, una explicación absurda que complejiza al juego y me hace separarme de caminar por caminar. Le quita la diversión, me obliga a hacer lo que a Kojima se le ha salido de las manos.

Y sobre eso no se sonroja; le sube más la presión y sigue y sigue, botando el rollo. Y si te perdiste o no entendiste, no le importa; él seguirá contando su historia hasta que se le acabe el dinero. 

En sus peliculitas dirige con mucha sofisticación la cámara, pero en lo emocional no avanza ni un ápice, porque no sabe qué decir ni cómo decirlo en un tiempo corto de narrativa audiovisual.

Es un maestro del juego evidentemente, porque nadie tiene ideas así, pero no del cine, y ahora si lo ponemos en contraste, tampoco es bueno en la escritura.

Y es que al final, el 60% del juego me encanta; las carretas me encantan, los exotrajes de velocidad me encantan, la mejora de tus herramientas. Pero ese 30% de armas, de boleadora, de evitar respirar, de motocicletas, o de raíles o de autopistas o de robar mercancía no me gusta para nada. Ni los jefes. 

Me ha quitado el caminar. 

A Kojima se le nota en esos tramos un intenso deseo por regresar a Metal Gear y cerrar su mundo abierto de campamentos e incursiones en sigilo. Y ya que hablamos de Metal Gear, las kojimadas se entendían antes porque en Konami había alguien o todo un equipo que lo limitaba, que le llevaba la contraria hasta en términos monetarios; aquí, solo es su ego y sigue hasta donde le dé, sin tenerle miedo al dinero o al aterrizaje de las ideas en los jugadores. En Kojima Productions nadie lo ataja o detiene, nadie le pone una línea.

Y me da rabia porque el juego es sublime, pero lo que rodea, compone o exhibe, en todos sus frentes más allá del core jugable, es un desastre que ni él mismo lo entiende. No es gracioso ni justificable.

No le cuesta nada, ni por los giros de guion, hacer escenas que expliquen todo. Con orden, con consideración. Desde el principio. No, al contrario: para un universo complejo, le imprime narrativa compleja y sí, claro, sin pena a decirlo, hasta mal actuada porque a Norman Reedus o a Mads Mikkelsen se les nota en la cara; eso queda registrado en el motion capture, su incomodidad, su falta de entendimiento de lo que se está haciendo. 

Solo basta con vernos la cara; cada que aparece una nueva escena, es prácticamente la misma de Reedus. ¿¡Qué carajos acaba de pasar!? En realidad, Kojima siempre habla de comunicación, pero no sabe comunicarse.

CASTLEVANIA: DAWN OF SORROW

Lo he disfrutado muchísimo, pero aquí tengo que decir que, pese al hype derivado de cómo se ve en su paso a Nintendo DS, tengo ciertas desilusiones.

Por fin puedo explicar qué juego es rotundo y qué otro juego no. Aria of Sorrow es rotundo, catedralicio, redondo, completo y, por su parte, Dawn of Sorrow es incómodo. Muchísimo. Y no es porque sea imperfecto, sino porque toma decisiones irregulares tratando de cambiar o evolucionar o dejarse de parecer. Sin embargo, esos cambios están en lo accesorio, siendo prácticamente igual a Aria en lo estructural. Teniendo ideas de jefes, niveles, zonas y giros argumentales más que parecidos, clonados.

Lo accesorio se pone en las magias, en las armaduras y en los poderes especiales. Pero, tratando de complejizar, como es típico en estas secuelas, todo queda tan enredado que no vale la pena ponerse intenso en los sistemas y no hay muchas ganas de entenderlos. En realidad, todo pasa a segundo plano con las ganas tan altas de seguir explorando el mapa e irse a las viejas confiables: el arma que pega más duro, la magia que más daño de área tenga y el poder que más lejos golpee. Al final, las magias quedan increíbles y divertidas en conjunto, y el cambio de set de armas dinámico y fácil, aprovechando los botones extra de DS, a comparación de los de Game Boy Advance, hace que el juego se sienta mejor; ahí hay un avance.

Pero entonces alcanza sus niveles máximos de incomodidad. El juego se lanza por las espadas grandes, tipo claymore, que hacen ese trazo de impacto tan particular y le quitan todo protagonismo a la espada de antes. Symphony proponía esa espada media y Aria la seguía, pero Dawn cambia por completo esa idea y nos hace luchar sí o sí con ese tipo de armas, o martillo o hachas, para que no toquemos las espadas. Así, golpear a los enemigos es difícil; esquivar en el aire y atacar al mismo tiempo es difícil de nuevo, es decir, posicionarse para contraatacar después de esquivar. 

Los combates de jefes finales se sienten frustrantes, cerrados y lentos, porque necesitas tener una posición particular para el espadazo. Pero adicionalmente, porque el combate está pensado para golpear una vez, esquivar, alejarse y buscar una oportunidad para volver a hacerlo, lo que alarga artificialmente los encuentros. No se hacen varios golpes al mismo tiempo. En aire, abajo o en tierra, los espadazos son extraños y lentos. Es un retroceso derivado de nerfear o bajar el nivel de daño de las armas que eran ricas de ejecutar, que tenían un feel antes.

Pero también el juego es incómodo porque cierra muchos los encuentros con nuevas áreas para habilidades desconocidas o dadas simplemente por la suerte, y el diseño de los niveles no es tan agradable o rotundo como un castillo gótico lúgubre de los juegos anteriores. Aquí hay un castillo sin contexto y lore y queda afuera de un pueblo completamente aleatorio, además de que tiene escenarios genéricos y plataformas mucho más extrañas que Aria. No hay zonas espectaculares de ver. Es que es un indicador claro: los enemigos de tipo payaso nunca son buen diseño y aquí no son la excepción. Se ven horribles y acompañan también una pérdida total del estado de gracia. Es otro castillo.

Dawn of Sorrow también tiene detalles, animación y jugabilidad increíble, satisfactoria, heredada, y hay ciertas magias que, junto a la mejora técnica, se ven y se sienten divertidas. Pero de entrada nada se puede hacer con el cambio gráfico de diseños de personajes tan horribles y feos. Es un desastre. No había que quitarle trabajo a Ayami Kojima. Incluso ese diseño de personajes se siente en un cambio del pixel art y algunas animaciones cuando Soma, por su parte, está increíble.

Pero además es incómodo esto, precisamente el narrar sus cosas incómodas en una obra que, por fin, entiendo, no es como la leyenda de Aria. Eso es una lástima, por más que me haya encantado el juego.

En resumen, hay algo muy particular cuando se tienen más recursos, técnicos y económicos para hacer una secuela: que hay más espacio para ideas, pero incluso para las malas.

CASTLEVANIA: ARIA OF SORROW

 

Una vez más, saldando deudas, curando traumas infantiles. Entendiendo el furor de principio de los años dos mil y recordando con mucho cariño a las revistas Club Nintendo porque me mostraron este juego.  

Empecemos rápido: es el mejor juego de Game Boy Advance, sin duda. Desde lo técnico, desde lo gráfico, desde el cómo se ve, desde la duración, desde el giro de la historia, los jefes, los grados de calidad de sonido que se perciben en esta máquina que anda muy limitada al respecto; en fin, todo lo hace absolutamente redondo. Pero quiero detenerme en algo y es en la estructura. Perfecta, permite reconocer, una vez recibido el upgrade, hacia dónde ir sin tener que anotar algo, solo recordando. Y con ello, en algunos puntos, cuando elevan la dificultad, se vuelve denso de atravesar, pero con un sentido general, global, con una dirección, limpiando espacios, completando el porcentaje, encontrando sin matarse la cabeza todos los secretos. Es conciso, es enriquecedoramente denso y muy disfrutable en su jornada pequeña de juego. Encendías, jugabas 25 minutos, apagabas, jugabas otros 25 más tarde y así. 

El tema de todos los Castlevania recae fundamentalmente en Symphony of the Night y en tratar de copiarlo sin miedo, en diferentes plataformas y con diferentes estilos, posibles, claro, a las condiciones técnicas. Por eso todos los que vinieron después son ese mismo juego, pero en portátil, en Advance y en Color, en consola, en PlayStation 2, en PlayStation 3 y luego tratando de innovar con la pantalla táctil en Nintendo DS. La diferencia recae en cuán bueno es el resultado y cuán marcada, original y divertida resulta la copia para poder hacer un top o una clasificación, pero no es válido que nos pongamos a mencionar diferencias; en realidad no vienen al caso, porque la intención es muy marcada, la intención de la copia. Sin embargo, Aria lo hace muy bien a partir de sus limitaciones en esa máquina y con esa hambre tanto del jugador como del equipo de Konami de sacar algo rápido y bien hecho como último juego en Advance.  

Por ende, este aria of sorrow adquiere un parecido o símil de hermano menor a symphony of the night tras todos los intentos anteriores. Da mucho gusto verlo explotar todo el potencial gráfico, los efectos estilo chip fx, en el cielo y en los jefes tan típicos de Konami, las luces, los rayos y la arquitectura, pese a que no logre el resultado gráfico vibrante de Symphony. Es el intento de convertirse en hermano mayor, imitando lo que lo hacía genial. Y todo en una pantalla pequeña, colorida, vibrante, donde se arriesgan al máximo. 

Pero también Aria of Sorrow está en un estado de gracia; los diseños, la música y la copia generan una identidad deliciosa y valiosa y aportan en la historia, en los diálogos, en los artbooks, en los magníficos finales, en querer seguir jugando. En utilizar la espada simplemente, porque, pese a que se llena con hachas y magias, esa espada, esos simples píxeles moviéndose en espadazos, se trasladan de una forma muy divertida en el control y en el salto. Esa parte del gameplay, la del combate y el movimiento de Soma, es la que mejor les queda en esta pequeña versión.

Entonces ahí te das cuenta de que en Konami e Igarashi cogieron todos los esfuerzos y recursos para hacer más juegos en vez de irse por un magnum opus. Es decir, nunca vimos al uso una segunda parte de Symphony of the Night, una secuela que siga y agrande como debe todo lo que hizo. Ahorraron la comida para darnos muchos otros platos, estirar el chicle, y el que mejor sabor de boca quedó fue este, el de Soma, su cabello blanco y su asimilación de almas. 

Insisto, hubiera sido genial haber sido un niño rico para haberlo jugado en su tiempo. Una lástima. (Sí, solo los niños ricos tenían Game Boy Advance en el 2005). 

NO DEBERÍAN EXISTIR LOS GAME AWARDS.

 

Es necesario que nos sentemos a cuestionar seriamente la existencia de los Game Awards. Habría que pensarnos por un segundo el limitarlos, direccionarlos o apagar el YouTube e irnos a jugar. 

Creo que nos estamos haciendo un mal promocionando un escenario que no debería existir. 

Los de 2025 se han realizado el pasado 11 de diciembre. El ganador rotundo ha sido Expedition 33, del que, les soy honesto, no quiero ni tocar con un palo. No es mi juego, no es mi estilo gráfico, no es mi narrativa, no son mis mecánicas. Pero es indudable su calidad y sus virtudes. No quiero irme por ahí. 

A lo que me refiero con estas premiaciones es a lo que ha pasado siempre en otros medios, donde un ganador opaca para siempre al resto, donde la mirada o el recuerdo siempre queda guardado en una sola obra, dejando al resto de juegos como si no fueran importantes, como si no fuera posible hablar de estos. 

Los Game Awards brindan una especie de competencia en lo que nunca antes había competido y ponen a competir a cosas que no son comparables entre sí. 

Creo también que las categorías están mal definidas, ya que ponen a competir juegos totalmente diferentes entre sí para darle un premio a un juego de adolescentes en una categoría familiar, por ejemplo, lo que le pasa a los premios que recurrentemente se lleva Nintendo.  

Adicionalmente, la comparación entre juegos incomparables es indescifrable en una evaluación de jueces o prensa. Debe ser un ejercicio dificultoso el que los medios preguntados armen una lista, poniendo uno encima del otro, para decir con una subjetividad enredada que uno es mejor que otro: llegando a poner a un juego free to play con un indie, un beat 'em up o un juego de estrategia, como equiparables cuando quieren y logran cosas diferentes. Es decir, ¿cómo se miden esos diferentes valores jugables o narrativos entre sí, para declararlo como el juego del año?

Hablemos también de la poca importancia de los desarrolladores, del poco tiempo en pantalla, de los nulos segmentos para rendirles homenaje, del precio desbordado de los segmentos comerciales y su interés por mezclar pantalla con los mismos premios. Creando una percepción de lobby y unas inclinaciones bastante extrañas que favorecen el bolsillo no de la industria, sino de Geoff Keighley. Que además nos ha manipulado en el fanboyismo para que tenga rating al empezar el evento. 

Son unos premios y unos reconocimientos que pasan por caja de alguna forma y que celebran el marketing y a él mismo, más que a los propios creadores. 

Pero creo, además, que la competencia entre sí demerita trabajos, juegos aceptables o sobresalientes, negándoles visibilidad ante los excelentes y hasta los valores propios positivos que tengan, por más mínimos que sean. 

Finalmente, hay sinsabores: que no se haya dado algún reconocimiento a Kojima, cuando lo ha buscado de forma tan insistente con Death Stranding 2, o que, por su parte, un juego como Hollow Knight, esperado por tantas personas, durante muchos años, y con tanto éxito comercial y crítico, haya perdido premios por una obra que lo sobrepasa por cientos en presupuesto o recursos, lo que resulta desilusionante o extraño. En vez de una celebración, estos premios son una oportunidad de insulto entre fanboys en esa competencia estúpida inventada por las redes, más una sensación de derrota. Los derrotados siempre sienten que se van de la vitrina hacia el olvido porque vienen los nuevos juegos anunciados salidos calientes de la puerta del horno. 

Al finalizar estos premios, siempre resulta el sentimiento de que hay un juego adelante y muy atrás se queda el resto. Y esto ha pasado desde su invención. Ademas de los que salen en diciembre se quedan por fuera del calendario de esta vitrina, y los que salen en enero pierden mucha fuerza hasta la entrega 11 meses despues. En realidad, parece que los nominados no tienen meritos, tienen marketing, ruido, recordación y nombre. 

Es preferible que la competencia se resumiera en hacer una lista de 5 o de 10 juegos que resuman el año, que se les rinda homenaje a sus desarrolladores, que nos cuenten el detrás de cámaras y que le quitemos encima la idea competitiva y deportiva a algo que consideramos una expresión artística. Podría ser "Estos son los 10 mejores juegos del año que no debes perder de vista". 

No ha dejado de ser extraña cada ceremonia: larga, publicitaria, saturante de juegos y demostrativa del estado, el lobby y el exceso de dinero en la industria; tanto dinero, que se nota que no se sabe muy bien qué hacer con este. Además, sin demostrar un apoyo coherente a los estudios que prácticamente andan en la quiebra y en despidos. Gracias por leer. 

NO PERMITAS QUE ALGUIEN TE DIGA QUE METROID PRIME 4 BEYOND ES UN MAL JUEGO.

 

La sobrerreacción 

Este debe ser uno de los juegos más difíciles de analizar y en especial para los nintenderos de toda la vida. Incluso para mí. Pero es necesario empezar diciendo que puede encantar hasta exhibiendo errores; con lo que les entiendo a los críticos o a la prensa a la que no le ha gustado. Sin embargo, también cabe decirlo, los críticos no han entendido o visto con franqueza los puntos positivos de aquellos a los que nos ha gustado tanto. No hay un balance ahí. 

Siendo fan o no, veo así sus objetividades, sus dificultades, su ritmo y su impacto, y también veo que tiene muchísimas cosas buenas. Eso sí, siendo sorprendente las reacciones tan pesimistas o las sobrerreacciones al juego que debería haberlo cambiado todo, cuando en realidad no podía cumplir con ello desde la promesa. 

Con Metroid Prime 4 Beyond se ha notado a leguas que la comunidad gamer está muy enferma de varios males y aquí el sobrerreaccionar y exagerar con las noticias, con los análisis y con los juegos ha propiciado un escenario que le ha ido en contra. En los videojuegos se sobrerreacciona demasiado. Como todos los youtubers o influenciers tienen que opinar con vehemencia para generar reacciones, han mencionado sentencias fuertes que se han salido del balance y han destruido un poco la capacidad de enamorarse del juego por prejuicio en varios jugadores. En realidad, como he leído en diferentes análisis o en comentarios alrededor del juego, el desierto no es una mierda, la linealidad no es agobiante, los extras no son cansinos, los niveles no tienen un mal diseño y Sylux no es invisible. De verdad que no es tanto lo que se dice.  

Con Beyond, las cosas necesitaban o necesitan ponerse en su lugar, necesitan una calma racional o un debate para que se hable de lo que en realidad son sus enfoques y sus virtudes. Es momento de sopesar en la comunidad o en el fandom las cosas de cada videojuego, porque de seguro, con un juego con más expectativas, el mundo y la estabilidad emocional de muchos se pueden ir al barranco si las cosas no salen bien. Nadie hace las cosas perfectamente. Ni los santos, ni Nintendo, ni Naughty Dog, ni Rockstar, ni los presidentes, ni mucho menos Retro Studios. Cabe ya la posibilidad de ir madurando en el análisis, de quitarle tanto poder a los influencers sobreactuados y malintencionados, que estoy seguro se olvidarán de este juego en los próximos meses. Y es importante analizar a tantos juegos como lo que de verdad son, no una tragedia destructora de vidas y talentos. A Beyond hay que analizarlo por lo que hace, intenta y falla o intenta y logra, con gusto y sobre todo mucha calma. 

¿Qué intenta y logra? 

Hace mucho tiempo tuvimos una promesa de un encuentro. 

Y se ha alargado tanto que esta vez, con el éxito de Nintendo en todos los frentes, se dio la oportunidad de darle un empujón a una franquicia que siempre ha sido cuidadosamente tratada como si fuera dinamita, o a la que siempre le ponen eso, el título de “darle una oportunidad”. No se arriesgan con Metroid ni un ápice y se pueden tomar el tiempo para decir lo más mínimo, ya que no vende y nunca ha vendido, costando bastante para iniciar el desarrollo de un juego, o para comunicar algo con meses de anticipación. Además de que Nintendo es extremadamente reservada en el manejo de sus comunicaciones y en aceptar fracasos. 

Pero con este Metroid ha existido más riesgo en este caso debido a los retrasos, cambios en la dirección y hasta la asignación de presupuesto. Aún más con un ambicioso inicio de una nueva trilogía con este juego. Así que las expectativas y el control de daños estuvieron más altos de lo normal. Había mucho en juego aquí, adicionalmente a todo lo nuevo y rompedor que tenga.

Ante esa espera solo anhelabamos el encuentro, pero no sabemos qué emociones encontraremos al tenerlo de frente. 

Lo que me pasó, por ejemplo, fue un sentimiento meramente condicionado al ver a un amigo, un familiar que no veía desde hacía mucho tiempo. Para verlo en un estado de cambio y de belleza. 

De entrada, Beyond es bellísimo, pero no para el jugador ocasional acostumbrado a PlayStation 5, sino para el fan de Metroid, que nunca había visto a Samus así, a las texturas así, a la resolución así, a los escenarios y la ambientación. Y eso, simplemente eso, le gana muchísimo de entrada. Me tuvo en el bolsillo desde ahí en adelante, me conmovió. Es el juego más virtuoso técnicamente de Nintendo. Hay un valor de producción alto junto a la maravillosa música.  

Luego, ante ese impacto, el descubrimiento o el recuerdo de “a lo que vinimos en esta cita anhelada” se cuela de inmediato en el primer segmento jugable. La ansiedad del deseo. Venimos por un metroidvania porque estamos condicionados, porque este debe ser el padre de los metroidvanias y, aunque cueste mucho decirlo, no lo es. Ese choque, esa contradicción, ese cambio de expectativas es difícil de aceptar en las primeras horas e imagino que es el punto álgido de todos los que han criticado el juego. 

Los Metroid o Prime de antes iban de buscar un callejón en una curva para salir por esa ruta a otro espacio diferente; sin guía, casi descubriendo cada parte del mapa con pico y pala y avanzando lentamente. 

En este caso, el desierto funciona como área de trámite para conectar los calabozos. Y aunque sea relativamente agradable y corto, interrumpe el ritmo de juego un poco. Sobre todo en la parte del llenado de cristales. Pero me parece coherente, cambia la fórmula de siempre y, en algunos aspectos, brinda cierta libertad al jugador. 

Con ese cambio de ritmo, con esa integración de ecosistemas del planeta al desierto, el juego se descubre como de acción aventuras extremadamente parecido a Ocarina of Time, al que le rinde más que homenaje, una copia didáctica, hasta llenando de agujeros para encontrar las escultulas en su Hyrule Field. Así la mole concreta o sólida de antes ya no es tan sólida, sino lineal, para ir hasta los jefes finales y volver a la entrada, llevándose unos misiles de más y la llave que abrirá la cronotorre en el centro. En esa linealidad, en ese túnel que iría hasta el fondo de forma en espiral, que es lo que ocurre en todos los niveles, hay obstáculos que son diferentes a un mundo metroidvania de antes. Y que se derrumban teniendo todos los items para investigar todo en una segunda y divertida vuelta. 

Por su parte los jefes finales en cada encuentro son increíbles, lo que alimenta lo que ha sido mencionado de forma unánime con este Metroid: Beyond tiene los mejores momentos de la franquicia. Épicos, bellos, con mecánicas increíbles y sobre todo cinematográficos. Es un ensueño ver la dirección de arte o la puesta en escena en esos momentos. 

Retro Studios se ha lanzado por la cinemática, por la narración de un evento, como si esta fuera en realidad la película de Metroid, en encuadres, secuencias, actuaciones, voces o acciones brillantes ya que la tecnología por fin lo permite. Por ejemplo, cuando se adquiere un ítem o cuando se adquiera la morfoesfera magnética o simplemente el jefe final es de una belleza e impacto inusitado en la saga. Es un punto a destacar. 

Pero entonces esa linealidad, esa cinematografía, esa coherencia de escenarios, esas set pieces jugables van en detrimento de la línea metroidvania de siempre. Vuelve líquido lo compacto del avance del mapa y cambia el paradigma; retira el sentirse perdido, conectando puntos durante horas para obedecer ahora la ligera guía dada por Mackensie y por el mismo diseño del mundo.

También se ha puesto sobre la mesa que Bandai Namco, que estuvo haciendo este Metroid, en algún punto se encorsetó en los mundos abiertos, dejando para Retro el problema con el desierto y esos mini templos al estilo Breath of the Wild, pero que tuvo que reconstruir y hasta eliminar todo lo posible para que el desierto solo sea una fase en donde se adquieren mejoras. Una zona de transición que observa los templos. Que efectivamente no cuestan tanto, pero dilatan el juego para esa coherencia, también que los lamornianos destruyeron su planeta y demás cuentos interesantes justificados con la arena. 

Una vez despejado el desierto, quedan en evidencia las inclinaciones hacia la historia, pero sobre todo al subtexto, a lo que hay que leer por debajo de la historia y lo que oculta Sylux. Pero también el hecho de que nos quedemos con esos momentos magistrales en la estación voltaica y en el laboratorio congelado, en la divertida jugabilidad con las esferas magnéticas. Con eso deberíamos quedarnos, con todos esos momentos brillantes que hay que jugar y que nos dicen que ha valido la espera de tanto tiempo. 

De hecho, y para cerrar, me han parecido divertidos los personajes coprotagonistas; Armstrong me ha encantado, Tokabi está muy bien actuado y el campamento resulta agradable para detenerse entre tantos ires y venires. 

No es igual a prime 1, no es igual a prime 2, no es igual a dread, es una cosa diferente. Un juego que he disfrutado con la mente abierta, con el reencuentro con Retro Studios y con una espera que no quería algo en específico. Tenía una idea, claro, pero lo que pasó es que verlo así me convenció de mucho y te permite dejarte llevar. ¿Que en un futuro desearía que Metroid recuperara esa solidez y esa mole de concreto total que fueron los dos primeros Prime? Sin duda no me los perdería, pero que me enseñó que las fórmulas y que las libertades artísticas están ahí para decir algo nuevo, incluso si hay algo de fracaso de por medio. En retro han resuelto el problema gigante, lo han intentado.  Gracias por leer.